DAVID GARZA - JUAN CARLOS PAZ Y PUENTE | El retorno al lado sensible de la música | ROBERTO GARZA | Febrero 2024

Por: Roberto Garza
Fotografía: Cortesía Juan Carlos Paz Y Puente, David Garza

DAVID GARZA - 

JUAN CARLOS PAZ Y PUENTE

El retorno al lado sensible de la música

Hablar de Renascita, es hablar de una innovadora compañía creada por el músico y compositor egresado de Berklee College of Music, David Garza y el reconocido director y productor musical Juan Carlos Paz y Puente, quienes juntos, han logrado conjuntar una empresa que no solo busca regresar el lado artístico a la música, sino también devolver esa emoción que esta es capaz de brindar. 

En entrevista, ambos nos compartirán cómo en poco tiempo, han logrado consolidarse con proyectos como el de Mosh & Mambo, Colores de México, y Bronco Sinfónico, al igual que con lanzamientos como el de Carolina de la Muela, J. Mónaco y Straberry Pom, entre muchos otros.

¿Cuál es la esencia de Renascita y cómo nace?

David: Renascita nace al yo estar en la ciudad de Boston y Juan Carlos en San Diego, todavía cursando yo mis últimos semestres de la carrera de Música en la Universidad de Berklee.

En ese entonces, Juan Carlos fue invitado a participar como consejero dentro del Patronato de la Escuela Superior de Música y Danza en Monterrey, de donde mi papá también era consejero. Y lo que sucedió fue, que después de una de sus juntas de consejo, mi papá me mandó el contacto de Juan Carlos y me sugirió que le hablara, ya que creía que tendríamos muchas cosas en común.

Debo mencionar, qué dentro de mi carrera, me especialicé en composición de música para películas, pero la verdad no sabía qué hacer después de graduarme. Sin embargo, lo qué sí sabía, era que no me quería quedar a trabajar ni en la ciudad de Los Ángeles ni en Nueva York.

¿Es ahí cuando comienzan a gestar la idea de crear una empresa juntos?

David: Precisamente fue ahí cuando los dos empezamos a platicar y a ver la posibilidad de compaginar las inquietudes que ambos teníamos en referencia a comenzar un negocio dentro de la música.

Platicamos sobre la forma de cómo impulsar a Monterrey como ciudad musical, sobre cómo comenzar proyectos locales y en cómo desarrollar proyectos de calidad.

Juan Carlos: Cuando alguien termina de estudiar una carrera en música, es común que se haga la pregunta, ¿y ahora qué? 

En nuestro caso, estando David en Boston, la pregunta fue ¿A dónde me voy? Porque Boston es una ciudad de estudiantes que no cuenta con una industria musical importante. ¿Entonces a dónde? ¿Nueva York? ¿Los Ángeles? ¿Nashville? ¿Miami? ¿México?

Entonces ambos nos cuestionamos, ¿No hay manera de que haya una forma en la que un músico, además de hacer música o componer, pueda tener una empresa que genere otras formas de hacer negocios en la industria musical?

Renascita se estaría convirtiendo en la respuesta a esa pregunta y en el medio para hacer las cosas de una manera distinta dentro de la industria.  

Juan Carlos Paz y Puente (al fondo).

¿Qué los distingue a ustedes del resto de sus competidores?

Juan Carlos: Nos distinguimos primero, porque somo músicos, segundo, porque podemos lanzar artistas, hacer management, booking, producción de shows e involucrarnos en todo el proceso de grabación, desde la composición y hasta la mezcla y masterización del mismo. Lo único que no hacemos es manejar o representar artistas.

David: Otro punto importante, es que siempre nos hemos fijado en la calidad musical y en la forma de cómo crear una carrera a un artista.

Juan Carlos: Nos gusta separar la música de la farándula, dándole a la música su propio espacio. Queremos que la música exista por si sola, antes de que entre en el mundo de la farándula. 

¿Digamos que en muchas ocasiones la farándula dicta el rumbo musical?

Juan Carlos: Estamos en uno de esos momentos algo desalentadores, en donde todo es entretenimiento, todo es contenido y todo, gira en relación a la creación de dicho contenido. Sentimos que a la música “se la llevó el tren” desde hace rato y ahí vamos todos, pretendiendo hacer música.

Entonces, esa parte es la que nos distingue, ya que quizás haya personas que piensen igual, pero que no cuentan con una compañía donde puedan hacen esto que hacemos nosotros.

“Generalmente entramos en la producción y dirección musical, al igual que en la dirección artística” – David Garza

¿Dónde empieza el proceso de hacer música para ustedes? ¿Dónde empieza y termina su cadena de valor?

Podemos abarcar todo el proceso, desde la grabación, mezcla, arreglo y hasta la distribución, dependiendo del tipo de proyecto donde nos involucremos.  

Si estamos hablando de un artista nuevo al que buscamos por su calidad musical, nos gusta dejarlo que desarrolle dicha calidad, sin necesidad de nosotros meternos en ello. Tratamos de dejar al artista serlo, pero guiándolo en su proceso creativo.

Cuando hacemos shows, generalmente nos involucramos en la producción y dirección musical, al igual que en los arreglos y la parte visual del mismo. 

¿Han trabajado con algún artista desde “cero”?

Juan Carlos: Podemos trabajar con un artista desde que empieza a componer, para luego continuar con la grabación, su lanzamiento y con los aspectos visuales de su concepto.

Concretamente, hemos trabajado con un grupo regiomontano llamado Straberry Pom, que tuvimos la oportunidad de agarrar desde “cero” y la verdad es que eso fue increíble, ya que nos dio la oportunidad de ponerles las herramientas para que ellos pudieran desarrollar su concepto.  

También trabajamos en un proyecto con Plastilina Mosh, artistas ya establecidos con una trayectoria de más de 20 años, pero dentro de un concepto nuevo.

Juan Carlos Paz y Puente durante una grabación.

¿Generalmente entran ustedes como productores ejecutivos o en ocasiones existe ya alguien detrás del proyecto?

David: Generalmente entramos en la producción y dirección musical, al igual que dentro de la dirección artística.

Juan Carlos: Existen también casos en los que ya se cuenta con un presupuesto establecido y nosotros simplemente producimos el espectáculo, al igual que ocasiones donde nosotros invertimos en el proyecto. 

La empresa cuenta con el sello discográfico One Take. Bajo ese sello, ¿qué artistas o proyectos han grabado?

David: La primera que grabamos fue a Carolina de la Muela, una cantautora argentina que grabamos aquí en Monterrey, dentro de La Escuela Superior de Música y Danza. El disco que hicimos con ella fue ‘Esenciales 2’, que incluye canciones de rock argentino, reinterpretadas a piano y voz de una manera más íntima y enfocada a la canción.  

Luego grabamos cuatro canciones del grupo Strawberry Pum, que incluimos también dentro de nuestro sello discográfico.

Juan Carlos: También tenemos tres discos de jazz que produje hace algunos años y donde participan Eugenio Toussaint, Enrique Neri y el trío de Eugenio Gabriel Puentes y Agustín Bernal. Esos discos se editaron en CD hace muchos años, pero no se habían lanzado en formato digital.   

También tenemos a Jay Monaco, que es un compositor tapatío, pianista y cantante. Su producción no fue precisamente nuestra y solo lo licenciamos y lanzamos.

Adicionalmente, lanzamos un disco de Loris Ceroni, productor y arreglista de muchos hits icónicos del pop en español. En ese disco participan Pandora, Daniela Romo, Mijares y La Guzmán, solo por mencionar algunos nombres. La producción es de Ceroni, quien el mismo se la hizo de manera de auto-homenaje por su aniversario como productor. 

Importante también, es que hicimos el disco Colores de México, de la orquesta de la Universidad Autónoma de Nuevo León.

Mosh & Mambo.

Sin duda un sello discográfico bastante amplio 

Quizás eso sea también lo que nos distinga de los demás. No sabemos quién más pudiera tener dentro de un mismo sello discográfico, un disco sinfónico, un trío de jazz, un cantante progresivo en inglés, una cantautora argentina y un grupo de rock de chavos mexicanos que canten en inglés.

“Buscamos impulsar el lado artístico, musical y sensible del proyecto, sin pensar solamente en su éxito comercial” – Juan Carlos Paz y Puente 

¿Cómo se aseguran que los conceptos que producen verdaderamente funcionen y generen un retorno de inversión?

David: Si se pudiera predecir un hit, todo el mundo lo haría, desgraciadamente, no hay manera de hacerlo. La música siempre es una apuesta.

Juan Carlos: Cuando inicias una compañía y quieres establecerte dentro de la industria, primero debes existir, crear y tener algo que luego se convierta en tu base para a partir de ahí seguir avanzando.

No hay manera de saber que un concepto vaya a funcionar y es por eso que nosotros hacemos un poquito por aquí y otro poquito por allá. Algunos proyectos son más rentables que otros y te podrán dar un retorno más rápido; el arte está en saber cómo balancear los diferentes proyectos, pero sin dar el bandazo hacia un lado en particular. 

Hay muchos que se dedican a hacer shows, que es una actividad que no requiere que seas músico o productor para realizarla y que si la haces correctamente te puede dejar muy buen dinero.

Ustedes le apuestan mucho a la emoción y al sentimiento que genera la música al escucharla. ¿Es eso algo que los hace también diferentes como disquera?

David: Es correcto. Creo que eso va en contra de la forma en cómo las disqueras actúan actualmente, viendo solo números y tomando decisiones en base a si el artista les da audiencia o no.

Nosotros buscamos impulsar el lado artístico, musical y sensible del proyecto, sin pensar solamente en su éxito comercial. De hecho, nos gusta pensar que hay más gente como nosotros, preocupada y y que le apuesta también a eso.

Juan Carlos: Exacto, si no emociona, no pasa gran cosa. Los temas que se quedan para toda la vida, fueron los que sí emocionaron, los que siguen emocionando y los que fueron hechos por alguien con una honestidad absoluta.

Si cuentas y haces una lista de los grandes artistas o compositores que se quedaron para siempre, difícilmente te vas a encontrar algo que fue creado para “pegar” por uno o dos años. 

Antes de eso se trataba, tú ibas a escuchar a alguien, te emocionaba y luego llevabas a alguien a escuchar eso que te había emocionado. Querías compartir ese momento con alguien, para que sintiera lo mismo que tú.  

¿Ustedes buscan provocar esa emoción con la música, pero sin perder de vista el tema comercial?

Juan Carlos: Buscamos provocar esa emoción, ese lado artístico de la música; un lado que, sin embargo, no siempre va alineado al lado comercial. Sin embargo, cuando ambas cosas se alinean, es cuando se crean los “Mega Hits”.

David Garza.

Ambos son músicos, pero, ¿cómo se complementan?

David: Creo que Juan Carlos tiene toda la calle y el “colmillo” de años y años de experiencia en la industria y conoce también a mucha gente dentro de ella. 

A mí me gusta pensar que en lo personal yo traigo lo nuevo a la mesa, algo más moderno y afín a la era digital.

Creo que el haber tenido la oportunidad de estudiar en Berklee College of Music, me actualizó no solo en lo musical, sino en las nuevas tendencias de la industria.

Juan Carlos: Lo más bonito de ser músico, es poder compartir con otros músicos, y es por eso que a veces le digo a David: “Necesito tus oídos”, porque obviamente sé qué oyen los míos, sin embargo, no se trata de eso, quiero los oídos de él y su sensibilidad. Siento que ahí es donde nos hemos complementado increíblemente. Le comento: “Yo no oigo nada aquí, ¿tú oyes algo? ¿qué oyes? ¿qué ves?”. Siempre nos complementamos.

De verdad que cada proyecto es distinto, a veces él se mete mucho más a la parte de arreglos y yo me voy a la parte de producción, o yo hago la estrategia del negocio y él crea la idea musical.

“Ahora el artista tienes qué ser compositor, ejecutar sus canciones, diseñar su imagen, estar presente en redes sociales, promover su música y hasta distribuirla” – David Garza

¿Qué consideran como parte medular de cualquier proceso de producción? 27:30

David: Que suene bien, se sienta bien y que se toque bien. Es muy importante que se ejecute bien y que emocione, porque si no sientes nada, no tiene sentido. Debe existir una conexión emocional cuando se interpreta un tema.  

Juan Carlos: Yo empezaría por el repertorio, qué canciones se van a incluir, para que, a partir de ahí, se pueda decidir dónde grabar, considerando lugares que puedan extraer una emoción al artista. Si lo ubicas en un espacio donde se va a sentir intimidado, difícilmente le podrás pedir que te emocione.  

Por otro lado, si lo ubicas en un lugar muy cómodo, digamos en la sala de su casa, sin ningún tipo de exigencia, entonces tampoco habrá ese empujón que le permita comunicar correctamente.

Todas las decisiones de producción son importantes, seleccionar el estudio, músicos, arreglistas, ingeniero de sonido, equipo, micrófonos, forma de grabación, etc. Sin embargo, debe existir un propósito basado en el artista y en el repertorio musical que logre que la música sea capaz de emocionar. Así de simple. 

¿Entonces es fundamental el cuidar el proceso para llegar a ese resultado?

Juan Carlos: Hay un montón de discos que suenan increíbles y nadie sintió nada con ellos, al igual que discos muy mal grabados que te emocionan ¡cañón! Un buen ejemplo de lo anterior son algunos de los discos de bossa nova de los sesentas y setentas, muchos grabados con un simple micrófono y una guitarra acústica bien tocada y afinada.

David: Existe un músico inglés llamado Bruno Major, que dice que las canciones de las que se siente más orgulloso, son las que grabó en la madrugada, en su propio estudio casero al llegarle la inspiración. Algo que no hubiera podido suceder en un estudio tradicional y donde quizás su voz pudiera haber sonado “media dormida”, pero quizás siendo esa también su intensión.

Juan Carlos: Aquí lo importante es que él llegó a donde quería llegar. No es fácil no tener a alguien del otro lado del vidrio en un estudio de grabación y ser juez y parte en tu proceso creativo. Tú hiciste la canción, tocaste la guitarra, te metiste al estudio, pusiste el micrófono, te grabaste y al final juzgaste si estaba bien o no tu trabajo. ¡Quizás quedó increíble y se pueda convertir en un hit!

No está mal que le preguntes a alguien cómo te escuchas, si le emociona lo que estas tocando, si está afinado tu instrumento o si estás sonando bien o no. Ese alguien es el productor, el que está del otro lado del cristal. 

“Si se pudiera predecir un hit, todo el mundo lo haría, desgraciadamente, no hay manera de hacerlo” – David Garza

¿Ustedes cómo seleccionan a los artistas con los que trabajan?

David: Hasta el momento han llegado solos, no hemos buscado talento abiertamente.

Juan Carlos: Ayuda mucho que el artista ya se haya enfrentado a algunas cosas, ya que nos hemos dado cuenta que cuando trabajamos con artistas a partir de “cero” y les abrimos el abanico de posibilidades, no resulta ser una gran idea.

Los artistas tienen qué enfrentarse y sufrirla ellos mismos primero. Porque hay actualmente la idea de que todo tiene que ser rápido y tienes que ‘postear’, hacer contenido, estar vigente y tener likes instantáneamente. Sin embargo, todo eso no tiene nada que ver con hacer bien la música, que sucede solo cuando se le dedican muchas horas a la práctica y dejas de tomarte selfies.

Bronco Sinfónico.

¿Pudiéramos decir que también ha cambiado el rol de artista?

David: Antes en las disqueras tenías fotógrafos, un Departamento de Marketing, inclusive gente responsable de buscarte repertorio con otros compositores.

Ahora el artista tienes que ser compositor, ejecutar sus canciones, diseñar su imagen, estar presente en redes sociales, promover su música y hasta distribuirla.

Juan Carlos: Es complicado. Tengo una frase de mi amigo Jorge Avendaño, que dice: “Estábamos mejor cuando estábamos peor” y aplica perfecto, porque cuando estábamos peor era en la época en que las disqueras tenían un montón de personal, muchísimos proyectos y cuando nos quejábamos mucho de que todo ese mecanismo tenía qué ver con la música.

Sin embargo, tenías un departamento de Marketing, que cuando le llevabas a un artista para hablar de su proyecto, aparecía un fotógrafo profesional, un diseñador gráfico, un peinador, un maquillista, un especialista en vestuario y hasta un director de videos. 

Entonces, a partir de ahí se hablaba de cómo desarrollar un concepto, hacer la portada, las fotos y el video promocional. Pudiéramos decir que se tenía a un grupo de profesionales pagados por la disquera para impulsar el proyecto. Actualmente, el artista tiene que hacer todo eso, al igual que tomar todas sus decisiones solo.

Le decía a David hace rato, si le preguntas a un chavo o chava de 15 años que quiere ser músico o que ya lo es: ¿En qué se pasan tus días?, te aseguro que lo primero que te dirían es: en redes sociales, tomándose fotos para contenido digital y en crear videos de chistes y cosas por el estilo. Nadie te va a hablar del proceso de hacer música.

Ahora la música pasó a un segundo plano, a ser un pretexto para ser famoso, sin tener nada qué ver con ser músico. ¿Interesante, no? 

En este mismo contexto, ¿Cómo creen estaría evolucionando el proceso de producción?

David: Antes, no cualquiera tenía acceso a poder grabarse y mucho menos a grabarse en buena calidad. De alguna manera el acceso a grabar música estaba muy limitado y era difícil poder pagar un estudio o conseguir una disquera.  

Ahorita con una laptop y una interface no tan cara, puedes grabarte en tu computadora a una buena calidad, dando acceso a todo el mundo a que lo pueda hacer, desgraciadamente, esa es también la mala noticia, ya que, sin barreras de entrada para la grabación, ahora todos pueden crear y comunicar contenido.

Antes se exigía mucho al artista para que llegara y ahora cualquiera puede llegar fácilmente.

Juan Carlos: La tecnología ha permitido un cambio increíble. Sin embargo, ahora, como lo acabas de decir, cualquiera puede grabar lo que sea y sacarlo a la luz.

Es bueno que todos tengan esa libertad, desgraciadamente, no todos tienen el talento que permita emocionar al escucha. 

Antes existía una barrera de entrada tan alta, que el que grababa era porque era muy bueno y tenía una buena propuesta que ofrecer.

David: Ahora no necesito ser exigente con mi talento y musicalidad, para lograr lo que antes se lograba con muchísimo esfuerzo e inversión.

Juan Carlos: De veinte años a la fecha, se le ha estado dando una preponderancia brutal a la tecnología, haciendo que no necesites ser tan bueno, porque con la tecnología puedes corregir tu afinación, poner en tiempo tu música y mucho más. 

El ejecutar afinado y a tiempo eran muy importantes hace 30 años, sin embargo, ahora con la tecnología eso ya no es tan importante.

Definitivamente, es como para “pegar el grito en el cielo”, ya que si te dedicas a hacer música y no puedes estar afinado y tocar a tiempo, entonces quizás la música no sea tu campo de acción ideal.

¿Pero también está el caso del músico talentoso que usa la tecnología?

Juan Carlos: Yo sería el primero en aplaudirle, pero ese caso es de uno en millones y al existir un océano de opciones que no son buenas, la gente se confunde y se hace menos selectiva. 

Por otro lado, qué increíble es tener artistas como a la argentina Carolina de la Muela, que grabamos en una sola tarde en la Sala Ponce de la Escuela Superior de Música y Danza en Monterrey. Debido a su talento y profesionalismo, pudimos grabarla de una manera muy sencilla, usando solo un piano, dos micrófonos y una laptop. 

“Nos gusta separar la música de la farándula y darle a la música su espacio” – Juan Carlos Paz y Puente

Hablando sobre Carolina de la Muela, con ella, ¿qué proceso están siguiendo?

Carolina es una gran artista, alguien a quien tendremos la oportunidad de ver junto con Judit Neddermann, Paola Prieto y Maro, el próximo 5 de mayo, en un concierto en la CDMX que estamos produciendo.

Para ella lanzamos el año pasado tres temas de su nuevo disco, teniendo planes de sacar el resto del álbum en los próximos meses. Es una producción grabada y mezclada en Buenos Aires, que contiene canciones inéditas de su autoría. 

Juan Carlos Paz y Puente

¿Con qué otros proyectos o artistas están trabajando?

David: Trabajamos recientemente con la banda regiomontana de rock The Warning, a quien le escribimos un interesante arreglo de cuerdas para dos de sus canciones, con el propósito de conmemorar sus 10 años de trayectoria.

Juan Carlos: Tenemos el disco de Colores de México, al igual que la gira de Mosh and Mambo, con quienes estamos colaborando.  

Queremos también seguir presentando el show 70’s Night en diferentes foros y estamos preparando un par de proyectos que muy pronto estaremos anunciando.

¿Alguna situación interesante que les haya tocado vivir a ustedes como productores?

David: Sin duda la de Carolina de la Muela cuando vino a grabar a Monterrey, todavía durante la pandemia, cuando había muchas restricciones para viajar y muchas medidas sanitarias qué cumplir.

Desde su salida de Buenos Aires, tuvo dudas sobre si había salido positiva o negativa en las pruebas de COVID que se realizó. Finalmente llegó a Monterrey, pero decidió encerrarse en su hotel 4 días, precisamente por esa incertidumbre, que resulto dar un resultado negativo al final.

Juan Carlos: Lo interesante ocurrió cuando llegó el día de la grabación del piano y voz, en una sala donde se filtraba todo el ruido del exterior. Algo que no fuimos capaces percibir en ese momento debido a que era domingo, pero que detectamos al término de la grabación, al poder escuchar a unos pericos “cantar” de manera intermitente en la misma.

Ya en la mezcla, detectamos que sí se alcanzaron a escuchar en la grabación, pero la verdad decidimos dejarlos y no editar la toma original.

¿Cómo les fue con el proyecto de Bronco Sinfónico?

Juan Carlos: Trabajar con Bronco ha sido de lo mejor que me ha pasado en mi carrera. Tuvimos oportunidad de participar en el arreglo de los temas y en la producción del show, esperando también poder participar en sus futuros proyectos próximamente.

The Warning.

¿Qué debería saber alguien que tiene un hijo o hija que quiere convertirse en músico?

Juan Carlos: En relación a eso me gustaría enfatizar dos cosas:

La primera se refiere a las condiciones de la Industria de la Música al día de hoy, condiciones que están absolutamente en contra del artista, tanto en el negocio, como en la propiedad de las cosas.

En otras palabras, cualquier disquera grande se va a convertir en dueña de todo lo que hagas. Todo el dinero que te invierta a ti o a tu proyecto, tú lo vas a pagar de vuelta y al final no serás dueño de nada. Adicionalmente, a estas compañías les vas a tener que dar un porcentaje de tu merchandising, redes sociales, giras de conciertos, patrocinios y de prácticamente todo lo que hagas.

“Los artistas tienen que enfrentarse y sufrirla ellos mismos primero” – Juan Carlos Paz y Puente

¿Para qué le puede servir a un padre de familia saber esto?

Para prevenir a sus hijos y entender que necesita un buen abogado que los pueda asesorar antes de que ellos firmen con una de las grandes compañías disqueras. 

Es muy común que el sueño se ponga en “bandeja de plata” y que los papás no conozcan del medio, ocasionando que sus hijos terminen firmando contratos que no les favorezcan.

¿Cuál sería esa segunda cosa que un padre o madre debería saber?

Juan Carlos: La segunda es la que se refiere a no caer en la trampa de las redes sociales y pensar que un proceso musical siempre empieza con selfies, seguidores y likes. Es una gran mentira que tú éxito o fracaso -como músico- dependa de eso. 

Debemos regresar la esencia a la música y retomar el camino del aprendizaje como base del desarrollo musical.

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